A Glenstone, stavamo limitando drasticamente i nostri visitatori ben prima della pandemia. Ecco perché più spazio migliora il nostro rapporto con l’arte

Il passaggio nei padiglioni. Foto: Iwan Baan, per gentile concessione del Glenstone Museum.

In questo momento, mentre i musei di tutto il mondo stanno iniziando ad ammettere i visitatori dopo essere stati chiusi dalla pandemia per mesi e mesi, il manuale operativo è più o meno lo stesso ovunque: biglietteria online, orari d’ingresso scaglionati, postazioni per l’igienizzazione delle mani, copertura obbligatoria del viso, percorsi di circolazione a senso unico, e promemoria per stare almeno a due metri di distanza dagli altri. Ricevimenti, tour e altri programmi in loco sono sospesi per il prossimo futuro.

Il pubblico, senza dubbio, lotterà per adattarsi a queste nuove regole. I commentatori si sono affrettati a sottolineare la perdita di servizi per i visitatori, ma non molti hanno considerato ciò che la gente può guadagnare da una visita al museo ridotta. Coloro che si sono abituati alle lobby affollate, alle code per i biglietti e alle mostre blockbuster torneranno a un’esperienza di visione dell’arte molto più tranquilla e socialmente distante. Ed è un’esperienza che sarà sorprendentemente simile (meno le maschere per il viso) a una giornata media a Glenstone, l’istituzione che ho fondato con mio marito Mitch, e di cui sono direttore.

Nell’ottobre 2018, abbiamo aperto i Pavilions, un edificio museale progettato da Thomas Phifer and Partners, per espandere il programma di mostre che avevamo presentato nel nostro primo edificio dove abbiamo accolto i visitatori per oltre un decennio. Il Pavilions ha aumentato il nostro spazio espositivo interno totale da 9.000 a 59.000 piedi quadrati, alla pari con quello del Broad nel centro di Los Angeles e del Whitney Museum of American Art di New York. Ma mentre The Broad e il Whitney hanno visto circa un milione di visitatori ciascuno nel 2019, noi abbiamo ospitato un decimo di quel numero nel nostro primo anno di attività. Il fatto che Glenstone si trovi in un tranquillo sobborgo di Washington, D.C. spiega solo in parte l’entità della disparità. La vera ragione è che l’esperienza che abbiamo sviluppato per i visitatori è lenta, tranquilla e contemplativa.

Emily Wei Rales. Foto: Julie Skarratt.

Dalla nascita di Glenstone, abbiamo mantenuto un approccio distintivo all’esperienza del visitatore che si basa sul concetto che una minore densità di folla permette incontri prolungati e significativi con l’arte. Prima ancora di iniziare a progettare i padiglioni, abbiamo elaborato una formula per determinare la nostra capacità ottimale di visitatori, esaminando le cifre di affluenza e di superficie di vari musei. Abbiamo imparato che, in media, un singolo visitatore occupava tra i 10 e i 30 piedi quadrati di spazio aperto in una galleria. Allo stesso tempo, abbiamo osservato che potevamo ospitare comodamente fino a 30 persone nel nostro edificio esistente, il che si traduce in 300 piedi quadrati per persona, un numero che avrebbe poi informato le dimensioni dei padiglioni.

La qualità della spaziosità si estende anche all’esposizione delle opere d’arte. Seguiamo una strategia “less is more” nelle nostre installazioni, mettendo in primo piano lo spazio negativo che agisce come un detergente per il palato tra le opere d’arte. La prenotazione è necessaria per mantenere un flusso costante di visitatori attraverso il cancello. Quello che abbiamo scoperto è che i modelli di visita diffusi non solo danno al nostro staff una migliore possibilità di proteggere la sicurezza delle opere d’arte in mostra, ma eliminano anche i colli di bottiglia e le code, permettendo un’esperienza più tranquilla. Si noti che l’obiettivo non è quello di ospitare meno visitatori, ma piuttosto di mantenere una particolare dispersione di visitatori distribuiti su una determinata area – una sfumatura che è particolarmente importante durante la nostra attuale crisi sanitaria. Prima che COVID-19 ci costringesse a chiudere, eravamo in grado di ospitare comodamente fino a 600 visitatori al giorno.

Accesso ai Padiglioni di Glenstone. Foto: Iwan Baan, per gentile concessione del Glenstone Museum.

Meno folla cambia la dinamica degli spettatori. La gente è incoraggiata a soffermarsi. È stato solo dopo l’apertura della nostra espansione che siamo stati introdotti alla Slow Art da Arden Reed, che sostiene che allungare la durata dell’incontro con un’opera d’arte è fondamentale per ottenere un apprezzamento più profondo per essa, contrariamente al modo in cui la maggior parte dei visitatori vede l’arte nei musei. Secondo Reed, gli americani passano in media tra i sei e i dieci secondi con le singole opere d’arte nelle gallerie e nei musei, mentre a Glenstone, è comune che i visitatori guardino gli oggetti per ben oltre mezz’ora.

Un campione di commenti che abbiamo ricevuto testimonia i benefici di questo tipo di visione. Glenstone, ci ha detto un visitatore, ha “un’atmosfera austera, e davvero spirituale” che conferisce un “esaltante senso di privacy” e permette momenti di calma e di intensa concentrazione. Non dover lottare contro la folla è “rinfrescante” e “lussuoso, un po’ come vedere l’arte in una casa privata”

Che Glenstone ricordi un luogo di culto o la galleria privata di un mecenate, queste riflessioni suggeriscono che il nostro approccio alla visita fa più che approfondire l’impegno dello spettatore con l’arte. Modella il nostro rapporto con il pubblico. Riconoscono lo sforzo che abbiamo investito nel creare un’esperienza intima, graziosa e meditativa, e con questo viene un legame più stretto con l’istituzione. Un’insegnante d’arte del liceo che ha organizzato più visite per i suoi studenti ha scritto: “Il Glenstone incoraggia la proprietà individuale dell’esperienza museale. Il senso di appartenenza aumenta ad ogni visita”.

Vista dell’installazione di Lygia Pape, Livro do Tempo I (Libro del Tempo I) (1961). ©Projeto Lygia Pape. Foto: Ron Amstutz, cortesia Glenstone Museum.

Non tutti preferiscono la solitudine e il ritmo lento di ciò che ho appena descritto. Per molti, un museo è un luogo di ritrovo comune pieno dell’energia pulsante dell’attività sociale, un crocevia culturale dove le idee si scontrano. Non sono in disaccordo, ma credo che ci sia spazio per entrambe le estremità dello spettro, e per tutto ciò che sta in mezzo, perché il pubblico merita una gamma diversificata di esperienze artistiche.

Tuttavia, COVID-19 ha effettivamente cancellato ben oltre la metà di quello spettro in un colpo solo. Ha anche reso inutile la misura numero uno del successo delle organizzazioni artistiche: le presenze. E mentre c’è un consenso generale tra i direttori dei musei sul fatto che le presenze non sono l’unica misura del successo – dopo tutto, la maggior parte delle istituzioni è stata fondata per raccogliere e preservare la cultura materiale e per fornire una programmazione educativa – è, come ha detto il direttore del Guggenheim Museum Richard Armstrong, un “indice di rilevanza” in un mondo in cui i musei competono con eventi sportivi, spettacoli musicali e altre forme di attività culturale per l’attenzione del pubblico. Senza eccezioni, i musei nell’era del COVID-19 devono trovare modi alternativi per valutare quanto bene stiano servendo il loro pubblico.

Questo non è un problema nuovo. I leader dei musei hanno proposto e applicato per un po’ di tempo criteri più ponderati e olistici. Tuttavia, l’idea errata che i musei misurino il loro valore solo in termini di presenze persiste a causa del fatto che gli standard qualitativi, “morbidi”, come la qualità dell’esperienza o l’adempimento di un mandato educativo, sono difficili da dimostrare e misurare, il che li rende difficili da proporre ai fiduciari e ai potenziali donatori.

Roni Horn a Glenstone. Foto: Ron Amstutz, per gentile concessione del Glenstone Museum.

In questo senso, i social media possono offrire un’utile analogia su come valutare l’impatto. L’influenza dei social media può essere misurata in più modi: gli analisti si riferiscono alla “portata” come il numero di utenti che vedono il tuo contenuto, mentre il “coinvolgimento” è il numero di “mi piace”, commenti e interazioni che quegli utenti hanno con quel contenuto. Piuttosto che pubblicizzare quanti visitatori o “seguaci” ha un museo, ora è il momento di concentrarsi sul tasso di coinvolgimento, che ci dice di più sul grado in cui il pubblico si sente connesso e arricchito dalla sua esperienza.

Quando i musei iniziano a sbloccare le loro porte al numero limitato di visitatori che si avventurano, diventeranno naturalmente luoghi di riposo dal caos e dall’incertezza così prevalenti in questi tempi difficili. E così facendo, soddisferanno un bisogno essenziale che è molto più profondo dell’intrattenimento.

Emily Rales è cofondatrice e direttrice di Glenstone.

Seguite Artnet News su Facebook:

Vuoi stare al passo con il mondo dell’arte? Iscriviti alla nostra newsletter per ricevere le ultime notizie, le interviste che aprono gli occhi e le critiche incisive che portano avanti la conversazione.

Leave a Reply

Lascia un commento

Il tuo indirizzo email non sarà pubblicato.