À Glenstone, nous limitions dramatiquement nos visiteurs bien avant la pandémie. Voici pourquoi plus d’espace améliore notre relation à l’art

Le passage dans les pavillons. Photo : Iwan Baan, avec l’aimable autorisation du musée Glenstone.

En ce moment, alors que les musées du monde entier commencent à admettre des visiteurs après avoir été fermés par la pandémie pendant des mois, le livre de jeu opérationnel est plus ou moins le même partout : billetterie en ligne, horaires d’entrée échelonnés, stations de désinfection des mains, masques faciaux obligatoires, voies de circulation à sens unique et rappels de rester à au moins six pieds des autres. Les réceptions, les visites et les autres programmes sur place sont suspendus dans un avenir prévisible.

Les auditoires devront, sans aucun doute, lutter pour s’adapter à ces nouvelles règles. Les commentateurs se sont empressés de souligner la perte de commodités pour les visiteurs, mais peu d’entre eux se sont penchés sur ce que les gens ont à gagner d’une visite de musée réduite. Ceux qui se sont habitués aux lobbies animés, aux files d’attente pour les billets et aux expositions à grand spectacle retrouveront une expérience d’observation de l’art beaucoup plus calme et socialement distante. Et c’est une expérience qui ressemblera étonnamment (moins les masques) à une journée moyenne à Glenstone, l’institution que j’ai fondée avec mon mari Mitch et dont je suis la directrice.

En octobre 2018, nous avons ouvert les Pavillons, un bâtiment muséal conçu par Thomas Phifer and Partners, afin d’élargir le programme d’expositions que nous présentions dans notre premier bâtiment où nous accueillions les visiteurs depuis plus de dix ans. Les Pavillons ont fait passer notre espace d’exposition intérieur total de 9 000 à 59 000 pieds carrés, à égalité avec le Broad, dans le centre de Los Angeles, et le Whitney Museum of American Art, à New York. Mais alors que The Broad et le Whitney ont accueilli chacun environ un million de visiteurs en 2019, nous avons accueilli un dixième de ce nombre au cours de notre première année d’activité. Le fait que Glenstone soit situé dans une banlieue tranquille de Washington n’explique que partiellement l’ampleur de cette disparité. La véritable raison est que l’expérience que nous avons développée pour les visiteurs est lente, calme et contemplative par conception.

Emily Wei Rales. Photo : Julie Skarratt.

Depuis la création de Glenstone, nous avons maintenu une approche distinctive de l’expérience du visiteur qui repose sur l’idée qu’une densité de foule plus faible permet des rencontres prolongées et significatives avec l’art. Avant même de commencer à concevoir les pavillons, nous avons élaboré une formule pour déterminer notre capacité optimale d’accueil des visiteurs en étudiant les chiffres de fréquentation et de superficie de divers musées. Nous avons appris qu’en moyenne, un visiteur individuel occupait entre 10 et 30 pieds carrés d’espace ouvert dans une galerie. En même temps, nous avons observé que nous pouvions accueillir confortablement jusqu’à 30 personnes dans notre bâtiment existant, ce qui se traduit par 300 pieds carrés par personne, un nombre qui informera plus tard les dimensions des Pavillons.

La qualité de l’espace s’étend également aux expositions d’œuvres d’art. Nous suivons une stratégie de « moins est plus » dans nos installations, en accordant une prime à l’espace négatif qui agit comme un nettoyeur de palais entre les œuvres d’art. Les réservations sont obligatoires afin de maintenir un flux régulier de visiteurs à l’entrée. Nous avons constaté que des schémas de visite diffus donnent non seulement à notre personnel une meilleure chance de protéger les œuvres d’art exposées, mais éliminent également les goulots d’étranglement et les files d’attente, permettant ainsi une expérience plus calme. Notez que l’objectif n’est pas d’accueillir moins de visiteurs, mais plutôt de maintenir une dispersion particulière de visiteurs répartis sur une zone donnée – une nuance qui est particulièrement pertinente dans le cadre de notre crise sanitaire actuelle. Avant que le COVID-19 ne nous oblige à fermer, nous étions en mesure d’accueillir confortablement jusqu’à 600 visiteurs par jour.

Approche des pavillons de Glenstone. Photo : Iwan Baan, avec l’aimable autorisation du musée Glenstone.

Une foule moins nombreuse change la dynamique du spectateur. Les gens sont encouragés à s’attarder. Ce n’est qu’après l’ouverture de notre extension que nous avons été initiés au Slow Art par Arden Reed, qui soutient que l’allongement de la durée de la rencontre avec une œuvre d’art est essentiel pour l’apprécier plus profondément, contrairement à la façon dont la plupart des visiteurs voient l’art dans les musées. Selon Reed, les Américains passent en moyenne entre six et dix secondes avec des œuvres d’art individuelles dans les galeries et les musées, alors qu’à Glenstone, il est courant que les visiteurs contemplent les objets pendant bien plus d’une demi-heure.

Un échantillon de commentaires que nous avons reçus témoigne des avantages de ce type d’observation. Glenstone, nous a dit un visiteur, a une « atmosphère austère, et en fait, spirituelle » qui confère un « sentiment exaltant d’intimité » et permet des moments de calme et de concentration intense. Le fait de ne pas avoir à affronter la foule est « rafraîchissant » et « luxueux, un peu comme voir de l’art dans une maison privée ».902>

Que Glenstone évoque un lieu de culte ou la galerie privée d’un mécène, ces réflexions suggèrent que notre approche de la visite fait plus qu’approfondir l’engagement d’un spectateur avec l’art. Elle façonne notre relation avec notre public. Ils reconnaissent l’effort que nous avons investi dans la création d’une expérience intime, gracieuse et méditative, et cela entraîne un lien plus étroit avec l’institution. Un professeur d’art de lycée qui a organisé plusieurs visites pour ses élèves a écrit : « Glenstone encourage l’appropriation individuelle de l’expérience muséale. Le sentiment d’appartenance augmente à chaque visite. »

Vue dans l’installation de Lygia Pape, Livro do Tempo I (Livre du temps I) (1961). ©Projeto Lygia Pape. Photo : Ron Amstutz, courtoisie du Glenstone Museum.

Tout le monde ne préfère pas la solitude et le rythme lent de ce que je viens de décrire. Pour beaucoup, un musée est un site de rassemblement communautaire rempli de l’énergie palpitante de l’activité sociale, un carrefour culturel où les idées se heurtent. Je ne suis pas en désaccord, mais je crois qu’il y a de la place pour les deux extrémités du spectre, et tout ce qui se trouve entre les deux, parce que les publics méritent une gamme diversifiée d’expériences artistiques.

Cependant, COVID-19 a effectivement effacé bien plus de la moitié de ce spectre d’un seul coup. Il a également rendu inutile la mesure numéro un du succès des organisations artistiques : la fréquentation. Bien que les directeurs de musées s’accordent à dire que la fréquentation n’est pas le seul critère de réussite – après tout, la majorité des institutions ont été créées pour collecter et préserver la culture matérielle et pour offrir des programmes éducatifs – elle est, comme le dit Richard Armstrong, directeur du musée Guggenheim, un « indice de pertinence » dans un monde où les musées sont en concurrence avec les événements sportifs, les spectacles musicaux et d’autres formes d’activités culturelles pour attirer l’attention du public. Sans exception, les musées de l’ère COVID-19 doivent trouver d’autres moyens d’évaluer dans quelle mesure ils servent bien leur public.

Ce problème n’est pas nouveau. Les responsables de musées proposent et appliquent des critères plus réfléchis et holistiques depuis un certain temps. Pourtant, l’idée fausse selon laquelle les musées ne mesurent leur valeur qu’en fonction des chiffres de fréquentation persiste, car les normes qualitatives et  » douces  » – telles que la qualité de l’expérience ou l’accomplissement d’un mandat éducatif – sont délicates à étayer et à mesurer, ce qui en fait un argument difficile à faire valoir auprès des administrateurs et des donateurs potentiels.

Roni Horn à Glenstone. Photo : Ron Amstutz, avec l’aimable autorisation du Glenstone Museum.

À cet égard, les médias sociaux peuvent offrir un analogue utile pour savoir comment évaluer l’impact. L’influence des médias sociaux peut être mesurée de plusieurs façons : les analystes parlent de  » portée  » pour désigner le nombre d’utilisateurs qui voient votre contenu, tandis que l' » engagement  » est le nombre de  » likes « , de commentaires et d’interactions que ces utilisateurs ont avec ce contenu. Plutôt que de rendre public le nombre de visiteurs ou de « followers » d’un musée, il est temps de se concentrer sur le taux d’engagement, qui nous en dit plus sur le degré auquel les publics se sentent connectés et enrichis par leur expérience.

Alors que les musées commencent à ouvrir timidement leurs portes au nombre limité de visiteurs qui s’y aventurent, ils deviendront naturellement des lieux de répit dans le chaos et l’incertitude si répandus en ces temps troublés. Et ce faisant, ils satisferont un besoin essentiel bien plus profond que le divertissement.

Emily Rales est la cofondatrice et directrice de Glenstone.

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