En Glenstone, limitábamos drásticamente a nuestros visitantes mucho antes de la pandemia. He aquí por qué más espacio mejora nuestra relación con el arte

El pasillo de los pabellones. Foto: Iwan Baan, cortesía del Museo Glenstone.

Ahora mismo, cuando los museos de todo el mundo están empezando a admitir visitantes después de haber estado cerrados por la pandemia durante meses, el manual de operaciones es más o menos el mismo en todas partes: venta de entradas en línea, horarios de entrada escalonados, estaciones de desinfección de manos, cubrimiento obligatorio de la cara, rutas de circulación en un solo sentido y recordatorios de mantenerse al menos a dos metros de distancia de los demás. Las recepciones, las visitas guiadas y otros programas in situ se suspenden en el futuro inmediato.

El público, sin duda, luchará por adaptarse a estas nuevas normas. Los comentaristas se han apresurado a señalar la pérdida de servicios para los visitantes, pero no muchos han considerado lo que la gente puede ganar con una visita al museo reducida. Aquellos que se han acostumbrado a los bulliciosos vestíbulos, a las colas para comprar entradas y a las grandes exposiciones, volverán a una experiencia artística mucho más tranquila y socialmente distanciada. Y se parecerá mucho (sin las máscaras) a un día normal en Glenstone, la institución que fundé con mi marido Mitch y de la que soy directora.

En octubre de 2018, inauguramos los Pabellones, un edificio museístico diseñado por Thomas Phifer and Partners, para ampliar el programa de exposiciones que habíamos estado presentando en nuestro primer edificio, donde habíamos recibido a los visitantes durante más de una década. Los pabellones aumentaron nuestro espacio interior de exposición de 9.000 a 59.000 pies cuadrados, al mismo nivel que el Broad en el centro de Los Ángeles y el Whitney Museum of American Art de Nueva York. Sin embargo, mientras que The Broad y el Whitney recibieron alrededor de un millón de visitantes cada uno en 2019, nosotros recibimos una décima parte de esa cifra en nuestro primer año de funcionamiento. El hecho de que Glenstone esté situado en un tranquilo extrarradio de Washington D.C. solo explica parcialmente la magnitud de la disparidad. La verdadera razón es que la experiencia que hemos desarrollado para los visitantes es lenta, tranquila y contemplativa por diseño.

Emily Wei Rales. Foto: Julie Skarratt.

Desde la creación de Glenstone, hemos mantenido un enfoque distintivo de la experiencia del visitante que se basa en la noción de que una menor densidad de público permite encuentros prolongados y significativos con el arte. Antes de empezar a diseñar los pabellones, ideamos una fórmula para determinar nuestra capacidad óptima de visitantes estudiando las cifras de asistencia y superficie de varios museos. Supimos que, por término medio, un visitante individual ocupaba entre 10 y 30 pies cuadrados de espacio abierto en una galería. Al mismo tiempo, observamos que podíamos acomodar cómodamente hasta 30 personas en nuestro edificio actual, lo que se traduce en 300 pies cuadrados por persona, una cifra que más tarde informaría las dimensiones de los pabellones.

La calidad de la amplitud se extiende también a la exposición de las obras de arte. Seguimos una estrategia de «menos es más» en nuestras instalaciones, dando prioridad al espacio negativo que actúa como limpiador del paladar entre las obras de arte. Es necesario reservar para mantener un flujo constante de visitantes a través de la puerta. Hemos comprobado que los patrones de visita difusos no sólo dan a nuestro personal una mejor oportunidad de proteger la seguridad de las obras de arte expuestas, sino que también eliminan los cuellos de botella y las colas, permitiendo una experiencia más tranquila. Obsérvese que el objetivo no es acoger a menos visitantes, sino mantener una determinada dispersión de visitantes repartidos por una zona determinada, un matiz que resulta especialmente pertinente durante nuestra actual crisis sanitaria. Antes de que la COVID-19 nos obligara a cerrar, podíamos acoger cómodamente hasta 600 visitantes al día.

Aproximación a los pabellones de Glenstone. Foto: Iwan Baan, cortesía del Museo de Glenstone.

La menor afluencia de público cambia la dinámica de los espectadores. Se anima a la gente a quedarse. No fue hasta después de la inauguración de nuestra ampliación cuando Arden Reed nos introdujo en el arte lento, que sostiene que alargar la duración del encuentro con una obra de arte es fundamental para obtener una apreciación más profunda de la misma, en contra de la forma en que la mayoría de los visitantes ven el arte en los museos. Según Reed, los estadounidenses dedican una media de entre seis y diez segundos a las obras de arte individuales en galerías y museos, mientras que en Glenstone es habitual que los visitantes contemplen los objetos durante más de media hora.

Una muestra de los comentarios que hemos recibido da fe de las ventajas de este tipo de contemplación. Glenstone, nos dijo un visitante, tiene una «atmósfera austera, y de hecho, espiritual» que imparte una «estimulante sensación de privacidad» y permite momentos de concentración tranquila e intensa. No tener que luchar contra las multitudes es «refrescante» y «lujoso, como ver el arte en una casa privada».

Ya sea que Glenstone nos haga pensar en un lugar de culto o en la galería privada de un mecenas, estas reflexiones sugieren que nuestro enfoque de las visitas hace más que profundizar el compromiso del espectador con el arte. Conforma nuestra relación con el público. Reconocen el esfuerzo que hemos invertido en crear una experiencia íntima, amable y meditativa, y con ello se establece una conexión más estrecha con la institución. Una profesora de arte de secundaria que organizó múltiples visitas para sus alumnos escribió: «Glenstone fomenta la apropiación individual de la experiencia del museo. El sentimiento de pertenencia aumenta en cada visita».

Vista a la instalación de Lygia Pape, Livro do Tempo I (Libro del Tiempo I) (1961). ©Projeto Lygia Pape. Foto: Ron Amstutz, cortesía del Museo Glenstone.

No todo el mundo prefiere la soledad y el ritmo lento de lo que acabo de describir. Para muchos, un museo es un lugar de encuentro comunitario lleno de la energía palpitante de la actividad social, una encrucijada cultural donde chocan las ideas. No estoy en desacuerdo, pero creo que hay espacio para ambos extremos del espectro, y para todo lo que está en medio, porque el público merece una gama diversa de experiencias artísticas.

Sin embargo, COVID-19 ha borrado de un plumazo más de la mitad de ese espectro. También ha hecho inútil la principal medida de éxito de las organizaciones artísticas: la asistencia. Y aunque existe un consenso generalizado entre los directores de museos de que la asistencia no es la única medida de éxito -después de todo, la mayoría de las instituciones se crearon para coleccionar y preservar la cultura material y ofrecer una programación educativa-, es, como dijo el director del Museo Guggenheim, Richard Armstrong, un «índice de relevancia» en un mundo en el que los museos compiten con los eventos deportivos, las actuaciones musicales y otras formas de actividad cultural por la atención del público. Sin excepción, los museos de la era COVID-19 deben encontrar formas alternativas de medir lo bien que están sirviendo a sus audiencias.

Este no es un problema nuevo. Los responsables de los museos llevan tiempo proponiendo y aplicando criterios más reflexivos y holísticos. Sin embargo, persiste la idea errónea de que los museos sólo miden su valor en función de las cifras de asistencia debido a que los estándares cualitativos y «blandos» -como la calidad de la experiencia o el cumplimiento de un mandato educativo- son difíciles de fundamentar y medir, lo que los convierte en un argumento difícil para los administradores y posibles donantes.

Roni Horn en Glenstone. Foto: Ron Amstutz, cortesía del Museo Glenstone.

En este sentido, las redes sociales pueden ofrecer un análogo útil para evaluar el impacto. La influencia de las redes sociales puede medirse de varias maneras: los analistas hablan de «alcance» como el número de usuarios que ven su contenido, mientras que el «compromiso» es el número de «me gusta», comentarios e interacciones que esos usuarios tienen con ese contenido. En lugar de publicitar cuántos visitantes o «seguidores» tiene un museo, ahora es el momento de centrarse en la tasa de compromiso, que nos dice más sobre el grado en que las audiencias se sienten conectadas y enriquecidas por su experiencia.

A medida que los museos empiecen a abrir tímidamente sus puertas al limitado número de visitantes que se aventuran a salir, se convertirán de forma natural en lugares de respiro del caos y la incertidumbre tan frecuentes en estos tiempos revueltos. Y al hacerlo, satisfarán una necesidad esencial que es mucho más profunda que el entretenimiento.

Emily Rales es cofundadora y directora de Glenstone.

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